Дорогие бусинки! Этот урок я писала для своего блога на блогспоте, но решила перенести и сюда — может, кому то пригодится.

Итак, я начинаю цикл уроков по предметной фотографии. Эти уроки будут полезны мастерам, которые только открывают свои hand-made магазинчики, блоггерам, которые делают обзоры косметики, и прочим людям, заинтересованным во «вкусной» подаче материала на сайте.

Оговорюсь: мои первые фото украшений были просто на белом фоне. Белый не отбрасывает бликов, не дает оттенков, и позволяет максимально передать натуральный вид изделия. Но мы продаем авторскую работу, у которой есть душа и своя маленькая история, а люди — не белые листы бумаги. В конце-концов, покупатели любят глазами, а все, что может предложить интернет-магазин — классные фото, максимально раскрывающие товар. Тут есть один нюанс: хорошее фото — это не переделка в фотошопе и «замыливание» неудачных моментов — это просто наиболее выгодная подача того, что у нас есть. Какой смысл обманывать клиента, если после покупки его ждет разочарование? Нам же важно, чтобы люди к нам возвращались, не так ли?

Колористика: как подобрать цвета, чтобы не было мучительно больно

Итак, первое правило хорошего фото — правильная колористика композиции. Я не буду сыпать заумными терминами, а скажу сразу, суть всех книг, которые я прочла на эту тему, можно свести к одному изречению: если вы боитесь ошибиться при составлении цветовой композиции — учитесь у природы — она — лучший Учитель.

В идеале правила колористики нужно соблюдать не только при фотографировании изделий, но и когда вы только рисуете эскиз, выбираете себе одежду, делаете макияж, красите волосы, и т.д. Например, когда я делала эту бабочку, то думала об осенней палитре: синее небо, еще зеленая, но уже местами пожухшая трава, золотые листья.



Композиция сложилась сама: хватило одной прогулки в парк — облетевшие листья, мутная вода прудика, синее небо, багровые и золотые мазки на деревьях… Это потянуло за собой композицию фотографии: осеннюю, лесную. Логично, что лучше всего эта заколка будет смотреться в рыжих или медных волосах — они как бы продолжают «осеннюю» тематику. Понимаете, к чему я веду? Подбирая цвета, думайте о гармонии природы.

Еще примеры из моих работ:

Кремово-белые ракушки с натуральным жемчугом:



Лунница, вобравшая в себя цвета луны от серебряного до белого с оттенком адуляра.



Каждая рукодельная работа неповторима — покажите это с помощью фотографии!

В поисках идеального фона

Некоторые мастера предпочитают фотографировать свои изделия на белом фоне, некоторые находят один удачный фон, и снимают только на нем, а такие, как я, ищут новый фон под каждую работу. Про мое отношение к белому фону я уже говорила, он информативный, но слишком «больничный», безликий.

У каждого автора со временем вырабатывается «свой» стиль работ, его еще называют авторским почерком. Хорошо, когда автор находит фон, максимально подчеркивающий общую стилистику изделия, но плохо, когда он все время использует только этот фон, никак его не меняя. Лично для меня это говорит о лени, и о том, что эту работу можно поставить в один ряд к остальным. Де-юре она уникальна, но де-факто она такая же, потому что снята на том же фоне. Теряется налет истории, духовности, уникальности.

Как то я подняла вопрос о поисках классного фона. И мы вместе с девочками составили перечень фонов, которые можно использовать для фото. Получилось очень интересно: если вы боитесь, что «забьете» фоном работу — берите готовый шаблон из нашего списка и примеряйте его к своим нуждам. Наш список можно просмотреть (и дополнить) тут.

В идеале вы должны искать свой фон под каждую работу. Тут опять же все субъективно и зависит от настроения, которое вы хотите передать в своей работе. Вас же что-то вдохновляет на создание изделия? Покажите это! Например, я долго разрывалась между тем, как представить свою бабочку на фото. На ее создание меня вдохновил гребень Розы Доусон из «Титаника», но само изделие вышло «теплым», осенним. В итоге победила осенняя тематика с пожухшими листьями, деревянной корзинкой и уютным пледом в традиционных осенних тонах — рыжем и голубом.

Построение композиции

Про правила построения композиции на фото написан не один том. Лично я руководствуюсь правилом «трех третей». Его суть в том, что кадр делится на 3 равные части по вертикали и по горизонтали, в образованном в центре прямоугольнике стоит размещать изделие.



Однако, когда когда работа вытянута в длину или ширину, фото по этому правилу будет неинформативным, так как изделие попросту не влезет в «идеальные» рамки. А значит, чтобы «впихнуть невпихуемое», придется масштабированием уменьшать фото, лишая зрителя деталей работы.

В этому случае нам поможет правило «диагоналей». Оно похоже на правило «трех третей», только предметы размещаются в кадре по диагонали. В зависимости от того, что вы хотите передать снимком, используется одно из правил.

Правило «восходящей диагонали» дает нам динамику, живость и энергичность, потому что глаз как бы с усилием движется в сторону, противоположную обычному:



Правило «нисходящей диагонали» повторяет естественное движение глаз при чтении и рассматривании предметов — слева-направо-сверху-вниз — это позволяет передать энергию покоя и умиротворения:



Пример «восходящей диагонали» — фото самолета:



Пример «нисходящей диагонали» — все то же фото гребня Розы Доусон:



Это все технические моменты, и не всегда кадр, построенный по всем канонам фотографии, буде смотреться классно. Экспериментируйте, ищите, подбирайте свой фон. Например, я всегда анализирую окружающее пространство на предмет возможности красивой съемки (если честно, это уже похоже на болезнь:-) ) Часто я делаю фотографии на нескольких фонах, отбирая потом лучшие кадры и дорабатывая огрехи старенького фотоаппарата в фотошопе.

Надеюсь, эта статья окажется полезной для вас и застрахует от тех ошибок, которые я совершала в первое время.

А какие приемы хорошей предметной фотографии используете вы?